法政大学建築フォーラム2006-2009

第６回 稲葉なおと氏

「そこに泊まるために旅に出る」



2009年度第６回となる建築フォーラムでは、紀行作家である稲葉なおと氏をお招きし、共通テーマである「建築的思考のあり方」の元、「そこに泊まるために旅に出る」という演目で講演していただきました。

講演は稲葉氏の現在の作家・写真家としての活動の紹介からはじまり、学生時代、設計事務所時代を振り返りながら、当時の想いや出会いからどのようにして作家の道を志し、活動を続けてこられたのかご説明いただきました。

稲葉氏は講演の冒頭で、

「オブジェクティブな考えもあるが、一番の関心は生活する場所にある。」

と語られました。生き生きした場・自由な場を求め、今もなお本当の意味でのそのような場を感じていないとおっしゃっています。だからこそ作り続けると。
そしてその設計の中ではある種の矛盾、あるいは拮抗と常に戦いながら現在に至っていると言います。その矛盾こそが本日の演目である、構成形式と現実条件でした。


＊「和樂」表紙写真　雑誌を開いた写真



ここで言う構成形式とは設計の指針・コンセプトを示します。しかし建築はそれだけでは完成しないと坂本氏は本講演の中で繰り返し語られました。

「構成形式が形になる上で、半分はあてはまるが半分は当てはまらない。」

構成形式のみで作られる明確な物＝形式主義は、社会の抱える問題や現実状況からズレていくと言います。構成形式と現実条件のこの２つの拮抗関係・緊張関係こそが、氏の矛盾との戦いであり、氏の設計そのものでありました。

1960～1970年当時は、空気汚染などの公害問題という社会的背景をなぞり設計をされています。それが「散田の家」に代表される「閉じた箱」という考え方でした。
そして1970年の「水無瀬の町家」を通して移り行く社会背景のもと、氏の構成形式も変化をみせることとなります。いかにして閉じた箱を開くか。その答えが1976年「代田の町家」に代表される「家型」という形式でした。


＊「週間ポスト」雑誌を開いた表紙・中写真



しかし、家型という形式にこだわり続けた結果、その形式が類型化されることで構成化されてゆく現状に疑問をいだくこととなります。構成的な形式からさえも自由になれないのだろうか。
そんな思想のもと、内部と外部とが明確だった今までに対し、非常に曖昧かつ自由な空間が生み出されました。

＊プロジェクトS



屋根の自由な変化によって、欲しい高さを欲しい場にもたせる。１つのまとまりとしての形がここには存在しています。

＊ハウスF（1988）



家型を完全に脱し、自由な平面の広がりを見せます。

＊ハウスSA（1999）






螺旋状に構成されることで、室が適度な独立性を持ちながら連続していきます。



この螺旋という形状は敷地形状や傾斜面などの諸条件が影響し合った上で構成されたものであり、螺旋と言う形を初めから目指して作られたものではないと言います。その点で家型の思想とは大きく異なるものであると坂本氏はおっしゃいました。

＊江古田ハウス



そして氏の構成形式はより自由なものへと発展していきます。それはオブジェにも収まらない、枠付けもしない自由な関係性となりました。



つかずはなれずの距離で島上に分散させることで建物間には共の空間が生まれます。



住戸は交差メゾネットで構成されることで、どの住戸も東西南北４面の開口を得ることを可能にし、十字の壁構造により構造的な合理性も獲得しています。
構成形式と現実的リアリティのせめぎ合いがここには収まっています。


本講演会ではこのような一連の流れのもと、移り変わっていく現実社会とそれとのバランスを保ちながら変化していく氏の構成形式を語られました。

最後に「水無瀬の町家」に隣接した敷地に設計された別館になります。
これは水無瀬の町家が誕生してから38年後に建てられたもので、両者の構成形式は大きく異なるものとなっています。

＊水無瀬の町家 ANNEX（2008）




同じ一人の建築家の作品であるのに、38年前の設計を潔く踏襲してしまっているこのワンカットは、坂本氏の建築的思考のあり方が形式主義だけにとらわれることのない、構成形式と現実条件の緊張関係にあることを実感させられる、本講演まとめの一枚となりました。

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講演日 : 2009年11月16日
レポート　 : W-Lab 内海
写真撮影 : W-Lab 松島
写真提供 : 稲葉なおと

第１回 坂本一成氏

「構成形式と現実条件の緊張関係 - ニュートラルな建築の空間のために」


2009年度第１回となる建築フォーラムでは、建築家であり法政大学客員教授である坂本一成氏をお招きし、共通テーマである「建築的思考のあり方」の元「構成形式と現実条件の緊張関係 - ニュートラルな建築の空間のために」という演目で講演していただきました。

講演は坂本氏のこれまでの作品をなぞりながら、その当時描いていた思想がどのように建築に反映されたのか、そして社会の流れとともに氏の思想と建築がどのように変化してきたのかをご説明いただきました。

氏は講演の冒頭で、

「オブジェクティブな考えもあるが、一番の関心は生活する場所にある。」

と語られました。生き生きした場・自由な場を求め、今もなお本当の意味でのそのような場を感じていないとおっしゃっています。だからこそ作り続けると。
そしてその設計の中ではある種の矛盾、あるいは拮抗と常に戦いながら現在に至っていると言います。その矛盾こそが本日の演目である、構成形式と現実条件でした。

＊水無瀬の町家（1970）

ここで言う構成形式とは設計の指針・コンセプトを示します。しかし建築はそれだけでは完成しないと坂本氏は本講演の中で繰り返し語られました。

「構成形式が形になる上で、半分はあてはまるが半分は当てはまらない。」

構成形式のみで作られる明確な物＝形式主義は、社会の抱える問題や現実状況からズレていくと言います。構成形式と現実条件のこの２つの拮抗関係・緊張関係こそが、氏の矛盾との戦いであり、氏の設計そのものでありました。

1960～1970年当時は、空気汚染などの公害問題という社会的背景をなぞり設計をされています。それが「散田の家」に代表される「閉じた箱」という考え方でした。
そして1970年の「水無瀬の町家」を通して移り行く社会背景のもと、氏の構成形式も変化をみせることとなります。いかにして閉じた箱を開くか。その答えが1976年「代田の町家」に代表される「家型」という形式でした。

＊代田の町家（1976）

しかし、家型という形式にこだわり続けた結果、その形式が類型化されることで構成化されてゆく現状に疑問をいだくこととなります。構成的な形式からさえも自由になれないのだろうか。
そんな思想のもと、内部と外部とが明確だった今までに対し、非常に曖昧かつ自由な空間が生み出されました。

＊プロジェクトS

屋根の自由な変化によって、欲しい高さを欲しい場にもたせる。１つのまとまりとしての形がここには存在しています。

＊ハウスF（1988）

家型を完全に脱し、自由な平面の広がりを見せます。

＊ハウスSA（1999）


螺旋状に構成されることで、室が適度な独立性を持ちながら連続していきます。

この螺旋という形状は敷地形状や傾斜面などの諸条件が影響し合った上で構成されたものであり、螺旋と言う形を初めから目指して作られたものではないと言います。その点で家型の思想とは大きく異なるものであると坂本氏はおっしゃいました。

＊江古田ハウス

そして氏の構成形式はより自由なものへと発展していきます。それはオブジェにも収まらない、枠付けもしない自由な関係性となりました。

つかずはなれずの距離で島上に分散させることで建物間には共の空間が生まれます。

住戸は交差メゾネットで構成されることで、どの住戸も東西南北４面の開口を得ることを可能にし、十字の壁構造により構造的な合理性も獲得しています。
構成形式と現実的リアリティのせめぎ合いがここには収まっています。


本講演会ではこのような一連の流れのもと、移り変わっていく現実社会とそれとのバランスを保ちながら変化していく氏の構成形式を語られました。

最後に「水無瀬の町家」に隣接した敷地に設計された別館になります。
これは水無瀬の町家が誕生してから38年後に建てられたもので、両者の構成形式は大きく異なるものとなっています。

＊水無瀬の町家 ANNEX（2008）


同じ一人の建築家の作品であるのに、38年前の設計を潔く踏襲してしまっているこのワンカットは、坂本氏の建築的思考のあり方が形式主義だけにとらわれることのない、構成形式と現実条件の緊張関係にあることを実感させられる、本講演まとめの一枚となりました。

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講演日　 : 2009年9月28日
レポート : W-Lab 阿部
写真撮影 : W-Lab 内海
写真提供 : 坂本一成

法政大学デザイン工学部建築学科 2009年度建築フォーラム開催

今年度も法政大学デザイン工学部建築学科主催 建築フォーラムが開催されます。


建築フォーラムは講演会形式の授業です。学外者、他学部在籍者を含め、授業履修者以外の聴講も自由です。授業履修者でなくとも聴講できます（先着順、入場無料）。


2009年度のテーマは「建築的思考のあり方」です。
この共通テーマのもと、各回の講師の方によって講演が行われます。

各回フォーラム内容は当ブログにて、法政大学大学院工学研究科建設工学専攻建築学領域 渡辺真理研究室所属の大学院生が発信します。


■ スケジュール

９／２８　　坂本一成（建築家、法政大学客員教授）　
　　　　　「構成形式と現実条件の緊張関係 - ニュートラルな建築の空間のために」

１０／５　　David A. Kemnitzer（建築家）　 　
　　　　　「米国における建築リノベーションの現況について」

１０／１９　馬場正尊（建築家、東北芸術工科大学准教授）　 　　
　　　　　「Ｏｐｅｎ　Architecture／建築の展開力」

１０／２６　梅本洋一（映画評論家、横浜国立大学教授）
　　　　　「小津安二郎／東京／黒沢清」

１１／９　　赤松佳珠子（建築家、ＣＡｔ）
　　　　　「演題未定」

１１／１６　稲葉なおと（紀行作家）　
　　　　　「そこに泊まるために旅に出る」

１１／３０　菊地宏（建築家、菊池宏建築設計事務所）
　　　　　「開かない引き出し」

１２／１４　野沢正光（建築家、武蔵野美術大学客員教授）
　　　　　「サスティナブルデザインの射程」


敬称略

第７回 宮崎桂さん

建築フォーラム　１１月１７日
サインと建築のほどよい関係　KMD inc/ 宮崎桂


　今回の建築フォーラムは、普段身近な場所でも多く見られるが、あまり意識して見ていなかった「サイン」というものを制作者の視点からいろいろ解説して頂きました。講演の内容は宮崎さんのドイツで発見してきたサイン紹介と、自身のサイン計画を交互に発表していき、作品の共通性や意図というのを教えて頂きました。
＊「kolumba」「allianz arena」は旅行での写真、それ以外は宮崎さんの作品となっています




「KOLUMBA」
ドイツのケルンにある、もとは聖コルンバ教会を改装した美術館です。ピーターズントー（Peter Zumthor）が設計した建物でサインが非常に少ないことが特徴だそうです。




・ 「京都国立博物館」、「千鳥ヶ淵戦没者苑（2003年）」
谷口建築設計研究所設計の建物のサイン計画です。設計者の意図を読み解き、シンプルさということをキーワードにされたそうです。文字に使う素材等を吟味しデザインされたそうです。


「ALLIANZ ARENA」
ミュンヘンにあるヘルツォーク・ド・ムーロン（Herzog & de Meuron）設計の「ALLIANZ ARENA」は遠くから見てもわかるように非常に大きなサインです。内部のサインはペイントを躯体に直書きしてあります。


・「TAG：サイン計画　（2000年）」
山口県にあるオフィスビルのサイン計画です。巨大な文字が視界に飛び込んできます。ファサードのガラス面にもシート状でサインがあり、ベンチも文字を使った造形となっており、建築のシンプルさとサインのシンプルさが一体的に感じられるようになっていました。


・「道の駅仁保の郷　（2000年）」


「Qiball （2007年）」
千葉県にある日建設計の複合施設です。４つの専用施設に専用エレベーターでアクセスするためにサインの役割が重要だったそうです。設計者と計画していくなかで実現できたそうです。


「床と壁の連続サイン　(2002年)」


「多摩大学のグローバルスタディズ学部（2007年）」
神奈川県藤沢市にある多摩大学新設のグローバルスタディズ学部、渡辺真理+ADH設計のサイン計画です。案内と誘導のサインとともに英語で表記された言葉が見られます。


「東京国際フォーラム　（1966年）」
　ラファエル・ヴィニオリ設計の東京国際フォーラムにおけるサイン計画です。吊り形式のサインと図が白、地が黒というサインは当時珍しいものだったと紹介して頂きました。サイン計画はあとから取り付けるのではなく、設計の段階から設計者とコミュニケーションを取りながら決めていくそうです


「電通本社ビル　（2002年）」
　ジャン・ヌーベル設計の電通本社ビルにおけるサイン計画です。「移ろい」を表すべく柱の色がグラデーションに変化していく中でサインを対応させたり、透明から不透明に変わっていくようなデザインが建物と同調しています。

　宮崎さん曰く、サインというのはサインが主張しすぎてもいけないし、目立たなくても駄目。場所を示すだけじゃなく時と場合により、その施設に求められてるものを表記することが大事だということをおっしゃっていました。
　さらにサインは建築と相互でよくならないといいものができないそうです。サインもいい、建築もよければいい関係は築くことができるそうです。

建築の見え方、使い方はサインによって大きく変わり、場に応じたサインを読み解いていくことが大切なのではないかと感じました。今回は建築に身近なサインというものの色々な形式を教えて頂きました。
宮崎さんご講演ありがとうございました。

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以下、学生のレポートです。

程よい関係はどれくらいなのか？？？　06D7091　 原田　友絵

今まで建築の中でサインに注目したことはなかったが、確かに私たちは特にデパートに買い物に行ったときなどどこに何の売り場があるのか、トイレやエレベーターの場所などかなりの情報をサインに頼っていると思う。そしてそのサインの在り方によって建築内部の印象は大きく左右されると感じることが多いことは今までも感じていた。今回の講義のテーマである「サインと建築の程よい関係」とはどんなことなのだろうか。私個人の意見では程よい関係性とはその施設ごとに決められるものでも、サインを作る人によって決められるものでもないと思う。しかし「その施設を利用する人」という大きなくくりによって決定されるものでもないと思う。それは十人十色でありこれだと決めるのがとても難しいことのように感じた。講義の初めに宮崎さんが紹介してくださったKOLUMBAでは入場料、どこがチケット売り場なのか、作品の説明書きもないということだった。美術館側の意図するところは「いらない情報は出さない」ということであったが果たしてそれが「いらない情報」なのだろうか？確かにやたらとサインが多い施設では建築の中で文字がうるさいような印象を受けることはよくあるが、美術館では作品だけを見ても作者の主張や考えが全く理解できないことが多い。これが、ただシンプルな空間を作りたいからなのかそれとも入館者の立場に立っていらない情報と判断したのか疑問だと思う。実際にKOLUMBAに行ったことがあるわけではないので断定はできないが少なくともわたしはKOLUMBAの中でサインと建築が程良く存在しているようには思えない。宮崎さんも講義の中でサインをつくる側はどこに何があるのか分からないと言われてはならないとおっしゃっていた。過剰に表示をすることは建築の中で大量の情報が氾濫しているような印象を作り出してしまうと思う。だが利用者が求める最低限の情報を提供することは程よい関係には不可欠だと思う。
昨年、友人とニューヨークのメトロポリタン美術館に行ったときに表示がわかりずらく、かなりイライラした。ここでは情報量の不足というよりも情報の提供の仕方に問題があるように思った。建築内部が複雑なつくりであることに加え地図がわかりずらかったように思う。途中で目的のものを見つけるのを諦めてしまったほどであった。あまり意識することはないがサインは建築内部での行動や心理に密接に関わっていると感じた。宮崎さんのようにサインを専門に考える人がいるとは考えてみたことはなかったが、確かに情報をすっきりと整理して提供してくれる施設は初めて訪れた場合でも動きやすく心地よく過ごすことができる。電通ビルの例にもあったが更にそのサインのデザインが施設の印象と合っていると特別凝ったデザインでなくても私たちは「なんだかおしゃれだな」という印象を持つと思う。サインはその施設のイメージを決定づける大事な役割をはたしているとおもった。内部空間に関してもそうであるが、看板や外部に表示されるサインを大きな役割をはたしており例えば「スターバックスコーヒー」や「マクドナルド」と言われれば大部分のひとがその文字をぼんやりとでも想像できる。人の記憶に働きかけ、思い出させることができるサインは人と程よい関係で存在しているサインではないだろうか。今回の講義ではただ壁に書かれたサインだけでなくポールが動いたり立体的な矢印のサインが紹介されていた。また、書いてあるだけのものでも壁から床にかけ矢印が描かれているものもあり、ただ壁に書いてあるものに比べ躍動感があると思った。実際にポールが動いているようなものより書いてあるだけなのに動きがあるものは不思議な力があり、人の心に訴えかけるような効果があると思った。程よい関係性かは分からないが興味深いと思う。サインと建築の程よい関係は簡単には決められるものでないと感じた。だからこそ面白いと思う。


「イージーに」　〜サインと建築のほどよい関係　　06D7076 中條貴彰

この前新宿の東急ビルで、おばさんたちが建物の案内板を三秒くらいしか見ていないにも関わらず、
「なにこれ、全然わからないわ～」
「ほんとね~誰かに聞いちゃいましょ、行きましょ行きましょ」
などと言ってそそくさと案内板の前を通り過ぎていくのを見ました。どんなにわかりやすく簡略化されたサインも、最速を極めんとする屈強なるおばさん達には通じないのではないかな、と不安を感じた瞬間でした。
　そんなことを思いだしながら今回の宮崎先生の講演を聞いていたのですが、私達が普段目にするようなサインとは一味ちがった数々のサインを見せていただく中で、サインと建築のもつ関係性をはじめて感じたように思います。普段からサインというものを意識していなかったわけではないのですが、サインが建築とどう関係しているのかというのはまったくと言っていいほど意識したことがありませんでした。
　宮崎先生の紹介してくださったサインと建築の様々な関係はとても興味深いものでした。KOLUMBAの美術館のようにサインを徹底的に減らしたものは、建築に対してサインがあまり主張しない代わりに、サインがもつ文字本来の魅力を引き出しているように思いましたし、office『Tag』は建築とサインとが一体となって存在を互いに強調しあう関係がそこには生まれているように思いました。さらにTagの場合、tagの文字が家具として三次元的に空間にあらわれることにより、二次元的なサインにくらべて、『Tag』という建築に統一感を生み出すための、いわゆる装置的サインにもなっているように感じました。
　同じ三次元的なサインでも床壁一体のサインはこれとは違い、壁＝情報、床＝誘導という役割分担がなされているユニークなデザインだなと思いました。また『Tag』のそれとは違いこのサインは建築に統一感を生むようなものではなくて、見る人にわかりやすくという意図が伝わってきました。そのせいか建築に対してサインがもつ存在感が強いように感じ、建築を選ぶサインだとも感じました。
　そして宮崎先生が言っていた矢印と建築は切っても切り離せない関係にあるという言葉は、なによりサインは人のためにあるという事と深く関係しているのだと思いました。そして矢印というサインがどれだけ建築と調和し、人々をわかりやすく誘導できるのかという事が冒頭でのべたような、屈強なおばちゃん達を容易に誘導するために必要なことのように感じました。むしろそれしかないのではとさえ思いました。
　サインは建築内だけでなく、現在複雑化する都市の中でもかかせないものとなっています。それにたいしてより複雑になってしまいがちなサインを生み出すのではなく、見ればわかる、そんなサインを私たちは求めています。その中で建築、あるいは都市とサインのほどよい関係を見つけ出していくことの難しさを私は今回の講演を通して感じました。矢印のようにトイレのマークや、パーキングなど客観的に見て誰もが理解できるようなサインが少しずつ認識されてきたように、少し複雑になっただけでサインを見ることすらあきらめてしまう屈強なるおばちゃん達をもうならせるようなサインが増えていくことを私は楽しみにしています。

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DATE : 2008年11月17日
レポート　W-studio (テクスト：塚田、ブログ作成：新倉)
写真提供　宮崎　桂

第６回 藤江 和子さん

　今回の建築フォーラムは、家具デザインを手がける藤江和子さんに、「究める―身体をとおして」というテーマでご講演をしていただきました。



　ご講演はまず、「家具・建築を通した身体のあり方について考える」という藤江さんのお言葉と、オープンスクールである加藤学園初等学校（1972）の紹介から始まりました。子どもたちが木製のロッカーの上で楽しそうに立ったり座ったり、まるで遊具のように使っている印象的な写真を見せていただきました。家具デザインの際に藤江さんが“身体”について大切にされていることが、この一枚の写真を見ただけでも一気に伝わってくるような気がしました。
　続けて、代官山ヒルサイドテラスの家具による間仕切りシステムや、代表的なシリーズ作品「くじらシリーズ」「万華鏡シリーズ」「モルフェシリーズ」、建築家の方とコラボレーションされた作品「リアスアーク美術館」「島根県立古代出雲歴史博物館」など、建築設計の規模まで手がけられた「福砂屋 松ヶ枝店」、また大学での作品「福岡大学Ａ棟」など数々の作品を紹介していただきました。

　藤江さんのお話の中には、例えば「くじらシリーズ」の“板の厚みに触れる”や、「桐蔭学園メモリアルアカデミウム」の照明・空調・ベンチ・手すりなど様々な役割を果たす“人の行動をうながす壁”、「茅野市民館」での茅野の自然風景を隠さず“体感できるような家具”、「多摩美術大学図書館」の“本の森の中を歩き回るイメージ”“建築とできるだけくっついた家具”という、思わず実際に行って触れてみたくなるようなコンセプトが登場しました。藤江さんご自身も学生たちに、「とにかく実際に行ってみて下さい」「スケール感、距離感を身につけて下さい」と何度もおっしゃっていましたが、それは家具が建築を“体感”するものであるという藤江さんの意思の表れなのだと思います。



くじらシリーズ「東京歯科大学水道橋ビル　No. 20 TDC」（1988-1990）　全景
大空間の中に、ひとつのアート作品のような存在感でたたずむ。“板の厚みに触れる”ことのできるベンチ。




くじらシリーズ「東京歯科大学水道橋ビル　No. 20 TDC」　ディテール




「桐蔭学園メモリアルアカデミウム　Function wall」（1997-2001）
受付窓口、カフェ、厨房など様々な機能が集約された“人の行動をうながす壁”。家具と建築の間のような規模の作品。




「茅野市民館」（2002-2005）
茅野駅駅舎に直結した細長い空間の図書館に、茅野の風景を “体感できるような家具”がデザインされた。




「多摩美術大学図書館」（2006-2007）
この建築の特徴である目線より上のアーチを活かすため、高さを抑えた曲線の本棚。図書館が“本の森の中を歩き回るイメージ”になるよう計画された。



最後に質疑応答の際、家具をデザインしやすい建築はどのようなものか、という質問がありました。その際、「空間にメッセージのある建築」という藤江さんのお答えはとても印象的で、学生たちは改めて引き締まる思いになったのではないでしょうか。藤江和子さん、貴重なお話どうもありがとうございました。




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以下、学生のレポートです。


「究める―身体をとおして」を聞いて
g06d7033　川西乃里江

　今回の講演を聞いて、家具への考え方が少し変わったような気がする。
　まず、藤江和子さんは家具デザイナーという肩書きではあるけれど、椅子や本棚といった一般的な家具から、家具というよりは建築に近いようなものまで、たくさんの作品を手がけていて、しかもその作品一つ一つがアートとしても成り立つようなもので、家具とひとくくりで言っても本当に数多くのものがあるのだと感じた。
　また、今までは、家具自体がもつフォルムのことを家具の美しさとして認識していたけれど、家具と建築が織り成すハーモニーのようなものにも美しさがあるのだと感じた。
　藤江さんの作品は、空間に何かを発しているアートのようなものであった。その場所にその家具があることで発生する人と人とのつながりや、人と環境との関係が深く考えられていて、なんだか建築と似通った点があると思った。
　藤江さんはものを“つくる”ということへの強いこだわりを持っている方だ。万華鏡シリーズがコンピューターの発達によって簡単に作り出せるようになり、その形態への興味が薄れたとおっしゃっていた。コンピューターは短時間で数多くの形態を生み出すことができるけれども、やはり、手を使って生み出すということは作品に魂をこめるような作業であって、作品への愛着が増すのだと感じた。
　最近、建築が家具化しているが、藤江さんの作る家具は、家具の建築化といえるだろう。私は、この二つの現象はとても良いことだと思う。ハコの中にあるオモチャのよう自由に出し入れできて、いつでも交換できるという建築と家具の関係から、その場でしか成立しない家具（家具建築）、その空間を利用する人にこそ使ってほしい家具といったような家具と建築の関係に魅力を感じる。
　藤江さんは家具を作る際に、建築家の意図を読み取るとおしゃっていた。建築を作る際にも敷地を調査したり、その場に隠れている背景を読み取って設計していく。家具の場合は、その作業がひとつ内側で行われている。
　家具が生み出すその場の空気が建築をよりいっそう引き立たせ、また、家具によって人間の普通の生活を生み出しているということを発見できた。



そこにかくれているもの
～藤江和子さんの講演を聞いて～
06d7095 福井健太

　藤江さんが講演を始めるや否や発した言葉に「メモを取ることより、自分で、講演についていろいろ考えて欲しい。」という言葉があった。私は、メモはやはり必要なので取っていたが、なるべくその場その場で藤江さんがおっしゃったことについて考えることにした。
　今回の講演を聞き終わり私が一番深く感じたことがあった。それは、“くじらシリーズ”、“万華鏡シリーズ”を話し終えたときにおっしゃられた言葉であった。

「コンピュータが、ものづくりをおもしろくなくしている。」

　私たちの生活に今や欠かすことのできなくなったコンピュータのことだけあって少し驚いた。とは言っても多くの場で言われていることでもあるだろう。藤江さんがここに込めた言葉の意味を探っていき、ある一つの結論にたどり着いた。
　“くじらシリーズ”と“万華鏡シリーズ”の説明を終え、その当時、藤江さんの事務所にはまだコンピュータが導入されていなかったことをあかし、それまで、全て人間の手でものづくりをしていたとおっしゃった。今までは人間の手作業でものづくりをし、たいへんな労力と時間がかかった。しかし、コンピュータの導入により、手作業がなくなり、時間が短縮された。しかし、その代償にコンピュータを使えば誰にでもどこにでもしかも短時間でデザインされてしまう。藤江さんはこのことに対してものづくりの面白みを失い、今ではくじら、万華鏡、両シリーズに対する興味を失ったようだった。私は製図のクラスで、韓先生のクラスであるが、韓先生がふとこんなことをおっしゃっていた。

“顔のないもの”
きっと藤江さんも同じ事を考えたのではないかと私は考えた。人の手で作り上げたものにはその人の思いが詰まっていて、きっと顔のあるものができると思う。コンピュータという便利さの代償に顔を失ってしまったものたちが地球上にいくつあるだろうか。
　そのような思いから、藤江さんの作品を見ていくと、モルフェシリーズに入ってから、形が抽象的になってきたのではないかと思った。そして、その家具には人間の次の行動を予感させるものであったり、家具の配置・幅・大きさを考えることにより、人と人とのつながりを考えたりといった、今までよりいっそう身体を通して、物事を見たり、考えたりした物になっていったのではないだろうか。私はそのように考え、藤枝さんという人物と藤江さんの作品を見て、考えてみた。

　家具はINTERFACEであり、INFLUENCEである。いきいきと活動する人々のいる風景を生むために。

　家具にはこれほどまでの見えないパワーを持っていたのだということに改めて気づくことができたし、何よりも、自分が体験して、そのときの感覚を大切にすることがこれからの課題にも役立つのではないかと思った。

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DATE : 2008年11月10日
レポート　W-studio (テクスト：円城寺、ブログ作成：塚田)
写真提供　藤江和子